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Luis Alberto Pescara

Luis Alberto Pescara

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Corazones góticos

Hace unos años se puso de moda hablar de las tribus urbanas. Emos, floggers, otakus, gammers y otros grupos fueron analizados por sociólogos y periodistas poco serios como expresiones contemporáneas de la cultura popular joven. Entre todas estas tendencias la movida dark se destaca por su visibilidad y por ser la que tiene las raíces más clásicas.

El reciclaje pop de la imaginería gótica despierta desconfianza en muchos flancos. Padres desconcertados, psicólogos preocupados y sacerdotes asustados no dejan de darle vueltas al fenómeno. No es casual que hace unos años una página cristiana lanzara el artículo "La música gótica destruirá a sus chicos" advirtiendo sobre los peligros de este movimiento. Obviamente que este tipo de discursos parte desde un lugar conservador y superficial. En realidad se trata de una tradición compleja en constante movimiento, en la que conviven The Cure, Edgar Allan Poe y el folklore rumano.

Los orígenes del culto al lado oscuro del alma humana son literarios. Hacia fines del siglo XVIII se publicaron en Inglaterra las que son consideradas las primeras novelas góticas: "El Castilllo de Otranto" de Horace Walpole y "The Old English Baron" de Clara Reeves. Ambas tuvieron un notable éxito. También se destaca el polaco Jan Potocki, autor del alucinante "El Manuscrito encontrado en Zaragoza", quien al igual que otros escritores alemanes y rusos estaba influenciado por las tradiciones folclóricas y sobrenaturales de Europa.

En 1816 ocurrió un hecho fundamental para la popularidad de este estilo. El poeta Lord Byron organizó en su villa de descaso del Lago Lemán – Suiza – una reunión que tuvo como invitados a los escritores Percy Bysshe Shelley, Mary Shelley y John William Polidori. Allí participaron de una competencia para ver quién creaba el relato más aterrador. De aquella suerte de brainstorming lúgubre nacieron dos historias clásicas: "Frankenstein o el moderno Prometeo" de Mary Shelley (quien tenía solo 19 años al momento de escribirlo) y "El Vampiro" de Polidori. Estos títulos influenciaron al naciente movimiento romántico y a la literatura vampírica respectivamente. Los sucesos de aquella insólita jornada literaria fueron narrados en el cine por Ken Russell en el filme "Gothic" de 1986.


Todas estas historias ganaron tanta popularidad que rápidamente fueron objeto de críticas y lecturas satíricas. Un ejemplo es el deJane Austen, quien en 1818 editó "La Abadía de Northanger" contando la historia una joven de 17 años, fanática de las novelas góticas, que intenta llevar los parámetros de la ficción a la vida real mientras experimenta su despertar amoroso. Otro personaje ilustre que criticó la tendencia fue el Marqués de Sade, que la consideró una prolongación de los cambios que provocados por la Revolución Francesa y sus consecuencias. El miedo social y político se reflejaba en estas páginas de terror. Mientras tanto, del otro lado del Atlántico, un Edgar Allan Poe alcóholico y atormentado empezaba a desarrollar su influyente obra.

Los títulos siguieron multiplicándose durante la era victoriana, sobre todo los relativos al vampirismo. Este es un mito fuertemente erótico, en el que un ser es penetrado por otro para usurpar sus fluidos, lo cual puede explicar la fascinación que ejerce sobre los adolescentes. Sheridan Le Fanu en "Carmilla" fundó muchos tópicos del subgénero, con una protagonista en pleno despertar sexual, flirteos lésbicos incluidos. Un cuarto de siglo después Bram Stoker publicó "Drácula", terminando de definir una mitología que se sostiene hasta nuestros días. A partir de allí la historia del conde transilvano sería sometida a todo tipo de adaptaciones, y solo los más despiertos advierten que detrás de sus detalles truculentos encierra una gran historia de amor.

¿Cómo es que toda esta mitología oscura y europea llega hasta la juventud actual? Durante el siglo XX todo aquel macabro bagaje comienza a ser aceptado por la cultura popular. Los cómics y seriales pulp, los radioteatros, el cine clase B (y no tanto) buscarían saciar el apetito del público por los escalofríos y las historias retorcidas. Y la música pop también se hizo eco de esto, con el histriónico pionero Screamin' Jay Hawkinsnarrando historias de hechizos y sarcófagos en sus canciones de los 50'. "Shock Horror" llamarán los críticos a esta tendencia, que más tardeAlice Cooper explotará con profundidad.

Años más tarde Tony Wilson, al responder en una entrevista cómo definiría la música de sus protegidos de Joy Division, decidió calificarla como "gótica". A partir de allí la prensa musical inglesa se encargó de difundir el término, usándolo con bandas de la época como Siouxie and The Banshees, Bauhaus y The Cure. Todos ellos son bibliómanos confesos, fanáticos de los poetas malditos y de los ciclos de terror de trasnoche. La música dark vive su periodo de auge durante los 80' y luego se diversifica en bandas tan distintas como Marylin Mason yEvanecense. Paralelamente Anne Rice publica "Entrevista con un vampiro", iniciando una exitosa saga centrada en los chupasangres durante los años en que los futuros fans de "Crepúsculo" y sus clones usaban pañales.

Por fuera del género de terror, Tim Burton rescata lo gótico desde un costado más accesible, creando un universo visual de gran difusión en las últimas décadas y que hoy se refleja en cientos de adolescentes usando mochilas con los personajes de "El extraño mundo de Jack". Es la evolución lógica de lo dark en la era de las redes sociales. Llegará el día en el que los chicos que leen a Stephenie Meyer empezarán a adentrarse en las obras de los autores seminales del horror y descubrirán una tradición literaria que lleva más de dos siglos. Un proceso inevitable que debe realizarse con la misma convicción con la que un par de colmillos se hunden en la garganta de alguna dulce muchacha. // Luis Alberto Pescara @luchopescara

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Un gringo llamado Clint

En la última entrega de los Oscars un veterano de la industria se fue con las manos casi vacías. "American Sniper" – último filme de Clint Eastwood – se llevó apenas un premio menor a pesar de tener seis nominaciones antes de la entrega. Es que la película, un enorme éxito de taquilla en EE.UU; destila un discurso pro-bélico y conservador que despertó gran polémica, especialmente entre los políticos.

Coincidamos en que el cine es una forma alternativa de turismo. Viendo las películas de un país en particular uno puede aprender mucho sobre este y sus habitantes. En ese sentido nadie representa la idiosincrasia estadounidense mejor que Eastwood. Detrás de su sólido clasicismo narrativo es posible rastrear todas las glorias y miserias del país del norte.

Incluso su historia personal responde al ideal americano del self made man; el hombre que se hizo a sí mismo. Nacido en una familia de obreros, su testarudez lo llevó a transformar sus limitaciones en virtudes, forjando un modelo a seguir para cualquiera que quiera interpretar a un duro en la pantalla grande. Tampoco es casual que su figura esté fuertemente ligada al western, el género culturalmente más representativo de su país.

Luego de algunos papeles secundarios en varias películas, Clint se puso las vestimentas vaqueras por primera vez en 1958, para la serie Rawhide. Durante casi ocho temporadas el programa fue un éxito y le dio al joven actor su primer encuentro con la popularidad. En la última época del show, con el actor cansado de interpretar a un cowboy pulcro y bonachón, llegó una oportunidad que cambiaría su vida y que ya había sido rechazada por varios intérpretes: una oferta para trabajar en un western italiano que se filmaría en Andalucía – España – bajo la dirección de Sergio Leone.

Son dos los motivos por los que "Por un puñado de dólares" (1964) sería fundamental en la carrera del futuro realizador. Por un lado fue un gran aprendizaje sobre los trucos de la dirección al lado de Leone, un maestro en el arte de combinar lirismo y violencia con un estilo visual único. Por otro lado aquí nació el personaje que lo distinguiría para siempre: un tipo solitario y hosco, de mirada penetrante, con un incierto pasado y movido por ideales poco ejemplares. Como él mismo explicaría: "Decidí que era el momento de ser un anti-héroe".

Al éxito de esta película le siguieron otros dos espagueti-westerns bajo la batuta de Leone: "Por unos dólares más" y "El bueno, el malo y el feo". La trilogía no fue bien recibida por los críticos americanos; no muy contentos con que los europeos manipulen un género que consideran propio, pero estableció a nuestro hombre como estrella internacional. En futuras incursiones en el far west que él mismo dirigiría, como "High Plains Drifter" (1973) y "El jinete pálido" (1985), se pueden rastrear los ecos de su personaje taciturno, aunque con una mayor melancolía. El mismísimo John Wayne se enojó con Clint al expresar que en sus películas "la gente del pueblo no reflejaba el verdadero espíritu de nuestros pioneros, el que hizo grande a nuestro país".

Esta evolución tendría su punto final con "Los imperdonables" de 1992, una obra maestra que reflexiona sobre la inutilidad de la violencia y la verdadera naturaleza de los viejos mitos del Oeste. El filme está dedicado a Leone y a Don Siegel, los directores que más los influyeron. El humanismo de esta fábula puede ser leído también como la opinión definitiva de su realizador sobre el sin sentido de la venganza, enfrentando así las acusaciones de conservadurismo que varios de sus personajes recibieron.

El primer esfuerzo de Eastwood como director fue "Play Misty for me" (1971), un excelente filme de suspenso en el que un dandy maduro es acosado por una mujer a la que rechazó. A la atmósfera misógina de esta historia se sumó su actuación en "Dirty Harry" del mismo año, en donde interpretó a Harry Callahan bajo las órdenes de Siegel. Este policía violento recibió duras críticas por hacer justicia a su manera, en una época en que la violencia urbana era un tema de gran preocupación ("El vengador anónimo" de Charles Bronson se estrenó por esos años). Esto no evitó que Harry el Sucio reapareciera en cinco películas más.

Las opiniones políticas de este veterano muestran cierta paranoia frente al mundo, pero a la vez exhiben un compromiso moral por buscar el bien común; una contradicción típicamente estadounidense. A pesar de haber apoyado a presidentes republicanos como Richard Nixon y Ronald Reagan, Clint criticó la intervención armada de EE.UU. en otros territorios y apoyó públicamente al movimiento feminista por la igualdad de derechos. Esta dualidad se refleja en películas complejas como "Un mundo perfecto" y "Río Místico".

En los últimos años el actor/realizador ha dejado claro su deseo de entender al otro; al extraño. Por un lado con historias decididamente feministas, como "Million Dollar Baby" o "Changeling". Y por otro en películas que buscan acercarse al extranjero, como "Cartas desde Iwo Jima" (retratando la Segunda Guerra Mundial desde el lado japonés) y "Gran Torino", en la que Clint es un viejo gruñón que debe convivir con un grupo de orientales que se asientan en su barrio.

A los 84 años Clint Eastwood muestra su costado nacionalista en "American Sniper", basada en la historia del Chris Kyle, el más letal tirador de la historia militar norteamericana. Puede tratarse de un traspié esperable en una carrera larga en la que conviven logros como "Bird", sobre el saxofonista Charlie Parker, y "Los puentes de Madison", un clásico del romanticismo cinematográfico que demuestra que los duros también tienen un costado tierno. No es casual que Gorillaz decidiera darse a conocer con una canción que lleva su nombre ¿Cuántas leyendas de la pantalla tienen su propio éxito pop sonando en las radios? // Luis Alberto Pescara @luchopescara

 

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Recuperando la magia

Es extraño como se editan los discos hoy en día. Las discográficas insisten en promocionar el hecho con eventos y campañas virales de todo tipo, buscando que el soporte físico de la música siga interesando a los fanáticos y no desaparezca. Un ejemplo es el nuevo álbum de Blur, del que hace meses se anticipan canciones y que unas semanas atrás pudo escucharse en su totalidad cuando la banda lo interpretó en un pequeño club londinense.

El trabajo se llama "The Magic Whip" y tiene varias particularidades: es la primera entrega de música nueva por parte de la banda desde "Think Tank" (2003) y marca el retorno del guitarrista Graham Coxon, que no grababa con Blur desde 1999. La concepción del álbum también fue especial. La banda – que estuvo de gira durante los últimos seis años – lo compuso y grabó durante un descaso forzado en Hong Kong, luego de la suspensión de una fecha en Japón en agosto del 2013. Los resultados fueron retomados por Coxon y el productor Stephen Street un año más tarde, con Damon Albarn agregando algunas letras para completar las canciones.

Detrás de su arte de tapa rico en neón y letras chinas, el trabajo empieza con un tridente absolutamente imbatible. "Lonesome Street" es un tema con el contagioso sonido juguetón clásico de la banda. Todo se pone más melancólico con la bella balada "New World Towers", justo antes del corte promocional "Go Out", que con su desprolijidad rockera suena a los primeros Arctic Monkeys. El resto del disco no siempre está a la altura de este genial comienzo.

Aquí es donde pesan las aventuras paralelas que los integrantes emprendieron durante sus años de distanciamiento. "Ice Cream Man" parece una canción que quedó afuera de "Everyday Robots", el disco solista que Albarn editó el año pasado. Otros pasajes suenan más cercanos al espíritu de Gorillaz, como el soulero "Ghost Ship", con un bajo estupendo e impecable guitarra funk, y el psicodélico "There Are Too Many of Us", de ambiente nocturno y fantasmal. Por otro lado el cuarteto no descuida su costado romántico y "My Terracotta Heart" ocasionará el encendido obligatorio de encendedores y celulares en los recitales.

Aunque algunas canciones tienen arreglos orquestales, "The Magic Whip" es un disco sobrio y despojado. "Nunca habíamos grabado de esta manera" señaló Albarn en una entrevista reciente, acompañado de Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. Lo cierto es que lo nuevo de la banda inglesa parece destinado a satisfacer a propios y extraños con su sonido ecléctico. Un final feliz para una banda que, luego de atravesar varias crisis internas, supo hacer catarsis en el excelente documental "No Distance Left to Run" y que ahora mira al futuro decidida a dar batalla. // Luis Alberto Pescara @luchopescara

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La Tercera Dimensión

Es probable que las personas mayores experimenten un deja vu al ver que las películas en tres dimensiones son el gran truco cinematográfico de la actualidad. Ocurre que los anteojos bicolores de cartón son un recurso que tiene más de 60 años, volviendo cada tanto para empujar a los espectadores a los cines. Internet llevó el espectáculo a los hogares de todo el planeta y las grandes salas contraatacaron actualizando esta idea del cine como una experiencia envolvente.

La tecnología 3-D busca reproducir un proceso que ocurre dentro de nuestras cabezas. Los ojos – separados entre ellos por unos pocos milímetros – captan dos imágenes levemente distintas de la misma realidad y es el cerebro el que las fusiona, creando la síntesis que posee las tres dimensiones: largo, ancho y profundidad. Este resultado es el que asumimos normalmente como "lo que vemos". Desde el siglo XIX existen inventos que crean la sensación de tridimensionalidad dentro de una imagen plana, como la fotografía estereoscópica. El cine continuó aquella búsqueda proyectando un mismo filme de manera doble y con ligeras diferencia sobre la pantalla para que, gafas especiales y cerebro mediante, produzca la idea de inmersión en lo que presenciamos.

La "era dorada" del cine tridimensional se dio en la década del '50, cuando la aparición del televisor hizo que la venta de entradas cayera estrepitosamente. Hollywood recurrió a varios trucos para avivar la taquilla, como el technicolor, el sonido estereofónico, el formato cinemascope y el citado 3-D. Incluso se crearon sistemas como el "Odorama" (cartones que el espectador debía raspar en determinados momentos para sentir los olores de la película) propiciados por personajes como William Castle, pionero del marketing sensacionalista. Toda esta locura aparece muy bien retratada en "Matinée" (1990) de Joe Dante, con John Goodman interpretando al dueño de un cine que busca shockear a sus clientes a toda costa, con la Guerra Fría de fondo.

3-d.1Este primer periodo del 3-D se asocia generalmente con el cine clase B, incluyendo títulos tan elocuentes como "It came from Outer Space", "Cat-women of the Moon" y la "House of Wax" original. Sin embargo también hubo grandes producciones que usaron el formato. En 1954 Alfred Hitchcock lo utilizó en su clásico "La llamada fatal", mientras que en Italia los productores Dino de Laurentiis y Carlo Ponti estrenaban "Ulises" con Kirk Douglas, iniciando la moda de las películas épicas históricas.

Cuando los estudios terminaron cediendo ante el negocio televisivo el 3-D cayó en el olvido durante dos décadas, hasta experimentar un breve retorno a comienzo de los 80's. Por esa época secuelas de "Viernes 13" y "Tiburón" se estrenaron con el truco tridimensional, aunque el filme que más se destacó fue el spaguetti western "Comin' at Ya!" (expresión que se puede traducir como "¡Se te viene encima!"). Estos filmes abusaban del efecto de arrojar objetos hacia la cámara para impactar al público a tal punto que terminaban resultando molestos. Hoy son usados como ejemplos negativos por quienes defienden a las películas tradicionales.

Nuevo siglo, nueva crisis ¿Cómo encantar al público cuando series como "Breaking Bad", "True Detective" o "Game of Thrones" proponen excelentes guiones y niveles de producción que ponen a la pantalla grande en apuros? ¿Cómo competir contra la comodidad que supone poder ver cualquier filme en la web en cualquier momento en nuestro hogar? Una vez más el viejo 3-D apareció como el anzuelo infalible. Cuando Robert Rodríguez estrenó "Spy kids 3-D" y luego "Las aventuras de la Niña Lava y el Niño Tiburón" utilizando este recurso lo hizo como un guiño irónico al pasado, sin imaginar que daba inicio a una tendencia. Corría el año 2004 y cuando Robert Zemeckis estrenó "El Expreso Polar" con un éxito sorprendente a nadie le quedaron dudas: había llegado el momento de desempolvar los anteojos bicolores.

Primero la fiebre atacó al mundo de la animación con los estrenos de "The Ant Bully", "Chicken Little" y "Monster House", entre otros. Por supuesto que los filmes de acción y las sagas de superhéroes encontraron en el 3-D un lugar ideal para explotar sus intenciones espectaculares, mientras que sagas ya existentes como "Harry Potter" y Shrek" estrenaron copias especiales con el recurso. Paralelamente realizadores reconocidos como James Cameron, Tim Burton y Martin Scorsese también se sumaron al fenómeno con "Avatar", "Alicia en el País de las Maravillas" y "La invención de Hugo Cabret" respectivamente. El etcétera es infinito y ya lleva una década.

Incluso el documental – un género desde siempre ligado al realismo antes que al espectáculo – dio saludables experiencias como "Criaturas del abismo" de Cameron, "La caverna de los sueños perdidos" de Werner Herzog y "Pina" de Win Wenders. Mientras tanto clásicos como "El extraño mundo de Jack", "Jurassic Park", "Titanic" y "El Rey León" volvieron a los cines con flamantes efectos envolventes, aunque esto despierta desconfianza ¿Vale la pena reestrenar filmes que en el momento de su concepción no tenían escenas diseñadas especialmente para el 3-D?

Aunque existe un riesgo de saturación nada parece indicar que el fenómeno amaine próximamente. Quizás en el futuro sintamos frente a estas películas lo que los mayores experimentan al ver antigüedades como "La criatura de la Laguna Negra". Por otro lado Steven Spielberg hace tiempo que anunció estar trabajando en la patente de un sistema de 3-D que no necesitará anteojos. Así que en la próxima salida cinéfila será conveniente no devolver las gafas, ya que los coleccionistas del futuro estarán dispuestos a pagar muy bien por ellas. // Luis Alberto Pescara @luchopescara

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